En esta exposición, su comisario Mikel Onandia Garate, nos guía por un viaje de lo material a lo místico, y lo hace de muchas maneras. Tanto la selección de obras, como el discurso expositivo, u otros aspectos museográficos que van desde los detalles más pequeños hasta las cuestiones más evidentes hacen que los espectadores de este proyecto curatorial experimenten un verdadero tránsito de lo matérico —relacionado con el elemento de la tierra— a lo espiritual —ligado al elemento del aire—.

Esa dualidad de lo material y lo espiritual que interesaba enormemente a Eduardo Chillida (1924-2002), tanto en su vida como en su obra, resulta evidente para quien se acerque, aunque sea de forma sutil, a la figura del escultor donostiarra. El historiador del arte Kosme de Barañano recuerda en su entrevista con Eduardo Chillida, que ya su hija Susana Chillida quiso titular a esa conversación “El espíritu de la materia y la materia del espíritu”. Es a través de esa mística y de esa materia como el público es transportado a un mundo de escultura espiritual. Por un lado, gracias a obras figurativas de carácter religioso que van desde el siglo xiii hasta el xviii, estas destacadas piezas de la colección permanente del Museo Nacional de Escultura dialogan con las más de cincuenta obras abstractas seleccionadas del autor, la mayoría traídas del Museo Chillida Leku (Guipúzcoa). Y por otro, el viaje a lo etéreo se logra a través de la distribución expositiva realizada por Onandia Garate.

Hay una relación clara entre la obra expositiva que crea el comisario y las piezas de Chillida y esta se advierte desde que irrumpimos en la primera sala hasta que abandonamos el edificio atravesando el claustro del siglo xvi, gracias a la armonía que genera la repartición de volúmenes y espacios vacíos. Onandia Garate, como el propio Chillida hacía en sus esculturas, introduce vacío en estas salas expositivas generando espacios donde la materia y el espacio se van equilibrando, creando la sensación de que el espectador se encuentra en un recorrido lleno de recovecos que el aire climatizado del museo llena, hasta que una vez fuera el aire del exterior se cuela entre los arcos del claustro.

En las siete salas del espacio expositivo del Palacio de Villena, sede de exposiciones temporales del Museo Nacional de Escultura, en las que se distribuyen las piezas, se va creando ese universo en el que diversas dimensiones se relacionan: la matérica y la espiritual, la figurativa y la abstracta, la del espacio lleno y la del espacio vacío; siendo estos diálogos en unas ocasiones mucho más obvios que en otras. Así, en la primera sala se vuelve casi indispensable leer la información de la cartela que acompaña al San Juan Bautista de Juan de Juni (1506-1577) para poder llegar a comprender cómo la propia expresividad de la escultura del siglo xvi que representa al santo evoca un dinamismo y una viveza a la que el propio Chillida aspira en su obra, que, aun no siendo figurativa, apela a las emociones del público.

Otros diálogos quedan establecidos de forma mucho más clara y evidente, como sucede en la segunda sala a través de las relaciones de los materiales. Chillida, que trabajó principalmente el hierro, también dio forma al alabastro y al barro; y por, su puesto, a la madera. Buena prueba del uso de este material son Relieve (1963) y Abesti Gogorra (Canto rudo, 1964). Esta última pieza ocupa el centro de la segunda sala y en ella se contrapone el efecto de ligereza –por el poco contacto de la pieza con el suelo–, con el de robustez, ya que está realizada en madera de roble y sus brazos gruesos, desiguales y ásperos presentan las marcas de la herramienta que los talló. Esa honestidad de los materiales presente en la mayoría de las piezas de Chillida activa nuestra memoria háptica, dándonos en todo momento la sensación de estar sintiendo bajo nuestros dedos las diferentes texturas de los materiales sin tocarlos. En esta segunda sala hay un pequeño espacio secundario, que, en cierto modo, habiendo abandonado ya la madera de la sala anterior nos anuncia una tercera sala independiente, pero que, al no ser exenta, y obligarnos a volver a la segunda sala para continuar el recorrido se vuelve un pequeño reto museográfico, en parte, bien resuelto a través de esa dimensión matérica, ya que dos de las piezas que aquí se exponen combinan precisamente el hierro y la madera: Yunque de sueños III y VI.

El vacío se vuelve protagonista de la cuarta sala, donde, a través del espacio, se separa la madera, el hierro, el papel y la tinta china de los alabastros. Chillida trabajó el alabastro desde la década de 1960 y con este material se propuso trabajar con la luz, ya que, a diferencia de sus obras de hierro oscuras como la noche, el alabastro atrapa la luz de una manera muy singular dependiendo de cómo esté trabajado. Y es precisamente esa luz que tradicionalmente se vincula con la divinidad lo que más llama la atención de las dos pequeñas obras de alabastro sin título que se presentan en esta sala y que, aún estando arrinconadas en una esquina, atraen fuertemente al espectador.

La quinta sala genera un claro diálogo cromático. A la izquierda nos interpela el blanco, a través de tres obras. Dos de ellas están precisamente talladas en alabastro: un relieve del siglo xvi La Virgen con el Niño de Felipe Bigarny (1475-1542) y el Homenaje a la mar III realizado por Chillida en 1984. En esta obra, que presenta una parte de la piedra delicadamente trabajada y otra en bruto, se puede advertir en cierto modo la formación de Chillida como arquitecto. A la derecha da profundidad a la sala el negro, protagonista no solo de las piezas creadas en hierro sino también en las piezas de tierra chamota (Óxidos de 1984 a 1994) que, perdiendo su honestidad matérica gracias a su tinte negro, parecen esculturas de hierro como las del resto de la sala.

Los juegos de volúmenes de los elementos expositivos, algunos alineados y otros rompiendo simetrías al traspasar líneas de altura y de profundidad, lo que genera zonas más abarrotadas mientras otras presentan mucho más aire, es algo que sucede de forma muy evidente en la sexta sala. En ella, a diferencia de las dos anteriores, la sensación es de mayor abarrotamiento, y si bien ese dinamismo tiene un claro efecto sensorial en el espectador, se necesita profundizar en el discurso expositivo para comprender el espacio donde se reparten las piezas de hierro, las de tierra chamota y la gran pieza de alabastro Gurutz VIII (Cruz VIII). Esta última obra tiene una dimensión simbólica y espiritual y, en ese sentido, puede ser la que más directamente se relacione con las esculturas del siglo xvii presentes en la sala, San Pedro de Alcántara y Santa Teresa de Jesús, de Pedro de Mena (1628-1688) y Gregorio Fernández (1576-1636), respectivamente. Sin embargo, sus grandes dimensiones y el espacio tan reducido que queda ya al final de la sala generan cierta arritmia en los volúmenes, algo que también pasa con las dos esculturas de los santos de muy diferente tamaño.

Por último, en la séptima sala, la más pequeña, no se presentan ya piezas de hierro, y cobra protagonismo su obra en papel, sus gravitaciones, Homenaje a San Juan de la Cruz I, II y III. Estas gravitaciones son obras realizadas en papel con tinta china y unidas por cuerdas, se sitúan en el espacio intermedio entre un relieve y un collage. Con ellas, Chillida nos recuerda que las cosas livianas también pesan. Estas obras mucho más ligeras son las que Onandia Garate selecciona para cerrar el viaje expositivo que comenzó presentándonos esculturas de hierro que recuerdan a arados y herramientas de labranza y que nos establecen esa conexión con la tierra, para terminar con obras que evocan lo espiritual a través de lo liviano. Piezas que hablan de la predilección del artista por los místicos españoles, Santa Teresa de Jesús (1515-1582) y sus experiencias levitantes, y San Juan de la Cruz (1542-1591) y sus versos, de los cuales Chillida se consideraba un gran admirador y cuya poesía a él mismo sirvió de inspiración.

Esta armónica y sensorial exposición se completa con la instalación de tres piezas de acero y granito de Chillida en los patios y el jardín del Colegio de San Gregorio y con un catálogo con textos de Mikel Onandia, Florian Steininger, Victoria Cirlot, Arno Gimber y Alejandro Nuevo.