Esta publicación es el catálogo que acompañó a la exposición, titulada con el mismo nombre, llevada a cabo desde el 14 de agosto de 2022 al 8 de enero de 2023 en el Blanton Museum of Art, en Texas, Estados Unidos. Su curadora, Rosario Granados, editó este libro que engloba seis capítulos escritos por distintos investigadores especialistas que abordan los textiles virreinales hispanoamericanos, desde distintas aristas, entre las que destacan su fábrica, uso, ritualidad, representación visual e implicaciones raciales, de género y sociales, en los virreinatos americanos.

Como explica Simone Wacha, directora del museo, esta exposición fue muy importante porque se trató de la primera exhibición a gran escala desarrollada por el Museo Blanton para explorar el arte y la cultura material de la Hispanoamérica virreinal. Esto se hizo a través de la vestimenta en el arte como símbolo de identidad, examinando el papel social de los textiles y sus representaciones visuales sobre distintos medios, producidos durante el siglo xviii principalmente en México y Perú, aunque también con ejemplos de Bolivia, Guatemala, Venezuela y el sureste de los Estados Unidos. Esta última región, señala, es especialmente relevante en el contexto de la exhibición, ya que se trató de una zona que perteneció a la Monarquía Hispánica y, como tal, se incluyó en el estudio.

En la introducción, escrita por Rosario Granados, la autora explica cómo y a partir de qué intereses fue concebida la exposición. Destaca el papel que tuvo, como detonante, su fascinación por la obra cuzqueña Nuestra Señora de Belén con donante, realizada hacia 1685 y perteneciente a la colección Carl & Marilynn Thoma —cuya fundación impulsó económicamente tanto a la exposición como a la publicación, en 2015—. Varias de las preguntas en torno a la representación de los textiles en la imagen que se formuló en ese momento, fueron conductoras en la construcción de la exposición y desarrolladas en los capítulos de la publicación.

Los seis capítulos del libro se estructuran en cinco partes, siguiendo la construcción de la exhibición. En la primera parte, titulada “Cloth Making”, encontramos el texto “Cloth Making and Meaning in the Viceregal Americas”, donde Julia K. Mc Hugh examina cómo la producción de distintos tipos de textiles y prendas puede ofrecer nuevas perspectivas para comprender las dinámicas imperiales, evangelizadoras y de intercambios artísticos entre los distintos virreinatos americanos. Para ello, se enfoca en varios casos de pequeñas y grandes producciones de textiles en dichos territorios, particularmente del sur, a través de sus descripciones en documentos de archivo, libros de cuentas, pinturas y artes decorativas. Explica que, debido a la ausencia de contratos entre los trabajadores del textil y sus clientes, se apoya en iconografía y en el examen de las telas, en sí, para dar cuenta de sus características. Uno de los casos que presenta es el “tocuyo”, término que se adoptó del lugar inicial de producción de un tipo de tejido de algodón —El Tocuyo, ubicado en la actual Venezuela—, con múltiples usos y de gran demanda, que se exportaba desde la Nueva Granada y posteriormente también desde Perú. Comenta que su popularidad cruzó las fronteras del uso doméstico en los hogares, pues, aunque se utilizó para fabricar ropa de cama o mantelería, se instaló en los obradores de pintura, ya que los artistas sudamericanos —especialmente a finales del siglo xviii e inicios del xviii— buscaron alternativas para los lienzos de lino, que eran importados de Europa y difíciles de obtener. Así, por ejemplo, se explica que varias pinturas de esta cronología estén hechas en lienzos de algodón, incluso reutilizados de antiguos manteles o sacos de azúcar.

En la segunda parte, cuyo título es “Wearing Social Status” encontramos dos artículos. El primero, escrito por Ana Paulina Gámez, se titula “Painting and Dress in New Spain” y versa sobre el uso de las pinturas como documentos visuales para conocer la indumentaria de los distintos estratos sociales y raciales que componían la población novohispana, especialmente a través de los retratos y de las “pinturas de castas” o “pinturas de mestizaje”, que se hicieron durante la segunda mitad del siglo xviii e inicios del xix en el actual México. Aprovecha estas imágenes para identificar y describir prendas cuya calidad y uso distinguía a esta diversidad de grupos, y aunque; explica, las prendas representadas en los cuadros de castas, por ejemplo, podían ser ficcionales, su apariencia suele coincidir con lo que describen otras fuentes contemporáneas, como las crónicas de viajeros. Así mismo, Gámez hace hincapié en el uso de la moda como indicador de la negociación cultural entre los diversos grupos sociales —como los indígenas—, para recrear códigos morales, comunes en la sociedad novohispana, sin utilizar prendas de tradición únicamente europea.

El otro capítulo de la sección está dedicado al caso peruano, se titula “An Opulence Unknown in Europe. Games of Appearance in Lima Portraiture, 1740-1800”, y fue escrito por Ricardo Kunosoki Rodríguez. Aquí, el autor parte de los relatos de fascinación hechos por algunos viajeros europeos, sobre la ostentación en la vestimenta de los limeños de la segunda mitad del siglo xviii. Kunosoki apunta que el lujo en las telas, los tejidos y los accesorios, se combinaba con una serie de gestos —casi religiosos por su solemnidad—, que pueden apreciarse, principalmente, en los retratos de las élites limeñas del periodo. Explica que estas imágenes permiten apreciar un panorama del complejo sentido de pertenencia elaborado por estas élites, pues, aunque se identificaban con la indumentaria local que habían contribuido a crear, también querían pertenecer a un mundo internacional de alta cultura. Otro aspecto que destaca es la ambigüedad que observa tras comparar los distintos grados de realismo presentes en los rostros, por un lado, y en la vestimenta y accesorios, por el otro. En ese sentido, la exploración de los códigos visuales le permite argumentar sobre la dificultad que presentan este tipo de retratos para distinguir entre la documentación y la ficción.

La tercera parte, “Dressing the Sacred”, se conforma de un capítulo escrito por Patricia Díaz Cayeros, cuyo título es: “Clothing and Transfiguration: Vestments and Visual Representation in the Religious Images of Viceregal Latin America”. En el texto, la autora explora las relaciones entre los textiles y las prácticas devocionales a partir de su uso y representación en esculturas y pinturas, a través de interesantes casos mexicanos, peruanos y guatemaltecos, principalmente. Afirma que esta sección ofrece un punto de inicio para examinar el fenómeno —generalizado en el mundo católico de la Edad Moderna—, de adornar y vestir imágenes religiosas. Explica que, por un lado, vestir lo sagrado puede verse como un umbral entre dos realidades y, por otro, abre la posibilidad de comprender los contextos locales, hispánicos y virreinales, en los que esta práctica floreció.

Para el cuarto núcleo, “The Holiness of Cloth”, Rosario Granados escribió “Divine Fabrics and Sacred Bodies in the Painting of the Spanish Americas”. El planteamiento del texto es interesante, pues se estructura en tres nodos cuyo detonante es la pintura “San Martín de Tours con la Verónica y el Sudario de Turín” (Museo Nacional del Virreinato, México). Como resultado, Granados incide en el peso visual y retórico del tejido como elemento narrativo en la cultura visual católica desarrollada en los virreinatos americanos; donde además de reconocer la relevancia visual de la tela, también demuestra cómo el simbolismo de los tejidos fue renovado por una sociedad que nació de dos tradiciones sociales y visuales distintas.

El último ensayo “Catholic Cloth: authority, decorum, and transcendence in the Spanish American Church”, escrito por Maya Stanfield-Mazzi, continúa la discusión sobre el simbolismo religioso de los textiles. La autora expone el papel simbólico de los tipos de tejidos y telas del ajuar católico —prendas sacerdotales, alfombras y manteles de altar—, en relación con otros objetos empleados en los rituales litúrgicos, como las esculturas, pinturas y platería. Explica que estos artefactos, en conjunto, potenciaban la experiencia religiosa expresando los misterios de la fe.

Por último, cabe destacar el glosario que se incluye al final del libro, apoyo al lector para conocer términos específicos de un área de conocimiento cuyas aristas permiten problematizar cuestiones como la diversidad social, la construcción identitaria o las prácticas devocionales en el mundo hispánico.