El Museo Nacional del Prado, en colaboración con la Fundación BBVA, inauguró el pasado mes de mayo la exposición Arte y transformaciones sociales en España 1885-1910, una ambiciosa y extensa muestra comisariada por Javier Barón, Jefe de Conservación de Pintura del siglo xix, que ha ocupado las cuatro salas de exposición temporal de la pinacoteca madrileña.

La exhibición ha reunido más de trescientas obras –mayoritariamente pintura, pero también escultura, fotografía, artes gráficas y cine– centradas en las profundas transformaciones sociales y culturales que acontecieron en nuestro país durante el periodo de la Restauración. El objetivo no ha sido otro que el de revisar el fenómeno del arte social en España desde una mirada justa y panorámica, superando así las descalificaciones que en el pasado se emitieron sobre esta corriente, frecuentemente considerada como “retardataria” en contraposición al avance de las primeras vanguardias parisinas. La exposición se suma así a los esfuerzos de Barón y del Prado por revalorizar y rescatar de los almacenes los ricos fondos de las colecciones del siglo xix del Museo, cuya primera muestra tuvo lugar en 2021 con la excelente reordenación de las salas dedicadas al arte decimonónico.

Si bien es cierto que el arte social no implicó una profunda renovación plástica en las artes en España, sí actuó como un fuerte revulsivo en torno a las temáticas abordadas hasta entonces. La dignidad de los formatos tradicionales se puso, así, al servicio de los nuevos temas emergidos de la realidad más inmediata, siendo precisamente en torno a estos como se ha articulado el discurso expositivo de la muestra. Sala por sala, se han abordado cuestiones tales como el trabajo, la educación, la religiosidad, la medicina y la enfermedad, la migración, la muerte, los accidentes laborales, la prostitución, la marginación étnica y económica, el colonialismo, o la reivindicación social y la huelga. Paralela y transversalmente se ha abarcado también la situación laboral y educativa de la mujer y la infancia en el contexto de una sociedad cambiante, o la emergencia de movimientos políticos e identitarios como el anarquismo o los regionalismos en la España del cambio de siglo. Temas, todos ellos, que dialogan de tú a tú con la más rabiosa actualidad, y que parecen interpelar singularmente al espectador posmoderno, ansioso por descubrir referentes en el pasado para las causas de hoy.

La estrategia discursiva se erige como una acertada metáfora de la poliédrica realidad social, material y artística del momento, contraponiéndose los diferentes formatos a través de los cuales se abordó la cuestión social (pintura, escultura, fotografía…) y las diferentes corrientes estéticas y estilísticas que eclosionaron en las inmediaciones del cambio de siglo. De este modo, en cada sala temática se dan cita artistas representantes del academicismo decimonónico y de la más incipiente modernidad catalana, incluyendo obras “de juventud” de figuras claves del arte del siglo xx que revelan el tránsito que muchos de ellos hicieron desde la tradición a la vanguardia y su aportación al fenómeno del arte social.

Así, las pinceladas más “ochocentistas” de Sorolla, Cutanda, Martínez Cubells, Planella, José y Luis Jiménez Aranda, Álvarez Sala, Pinazo Camarlench, Fillol o Elvira Santiso pueden verse contrapuestas con las miradas del simbolismo, el modernismo y las primeras vanguardias ejemplificadas por Casas, Rusiñol, Nonell, Anglada-Camarasa, Julio Romero de Torres, Iturrino, Sunyer, Gutiérrez Solana, Juan Gris, Darío de Regoyos o Picasso. Precisamente este último reúne a la perfección esa pluralidad de tendencias que convergieron entre finales del siglo xix y principios del xx a través de la presencia contrastante de obras como La espera (1901) o Ciencia y caridad (1897): una pintura que ha copado la atención de no pocos visitantes en su recorrido por la exposición, atónitos ante los orígenes realistas del que, posteriormente, sería el artista clave de la modernidad.

Esta diversificación de propuestas plásticas hacia el asunto social se atisba, también, a través de las esculturas de Miquel Blay, Pablo Gargallo, Carles Mani o Ciriaco Gaudínez y Javier (entre otros) que, disgregadas por la exposición, representan la creciente tendencia expresionista de los volúmenes escultóricos desde la irrupción de Auguste Rodin en París, al tiempo que acompañan a la pintura en su creciente vocación social y dignificadora.

Al mismo tiempo, en cada una de estas salas temáticas se disponen una serie de gabinetes destinados a la exhibición de arte gráfico y fotografía. Una acertada incorporación que atestigua cómo la revolución industrial y los cambios socioculturales que esta trajo consigo abrieron el campo de la expresión artística a nuevos formatos como la prensa o la publicidad, y a medios como la fotografía o el cine (que hace aparición al término del recorrido a través de la transformación de la Sala D del Museo del Prado en un pequeño cinematógrafo).

Más allá de la novedad que implica la mera inclusión de ambos formatos en el Prado, su presencia viene a completar a la perfección la aproximación al momento histórico y artístico al que la exposición invita. El conjunto de fotografías de la muestra y su diálogo con el resto de formatos artísticos nos induce a profundizar en las dificultades que el “arte mecánico” experimentó hasta ser considerado como tal, y su papel en el desarrollo de la pintura social y de vanguardia. Igualmente, la variedad de ejemplares reunidos –desde el retrato post mortem a la pornografía, pasando por la fotografía étnica y la artística– permiten atisbar la pluralidad de aplicaciones que el medio tuvo y su preeminencia en la pretendida representación objetiva de la realidad. Ejemplo de todo ello son las instantáneas de Arturo Truan Vaamonde, Francisco Hernández Rubio, Josep Esquirol o Manuel Cantos Company presentadas en la muestra: testimonios visuales directos de la España diagnosticada por el Regeneracionismo, cuyo medio las hace aún más próximas y, directamente, interpelantes.

Mientras, la secuencia de filmes proyectados en la exposición (entre los que destacan los de los hermanos Lumière o los de Antonio de Padua Tramullas) actúan como recordatorios de la profunda revolución que implicó la imagen en movimiento –hoy tan cotidiana– a la hora de documentar y democratizar acontecimientos históricos y sociales, a la vez que se ampliaba el rango de difusión hacia un público cada vez más diverso y extenso, y se daban los primeros pasos hacia la construcción del lenguaje cinematográfico.

Así, Javier Barón ha logrado reunir y reconciliar en esta colosal exposición a un nutrido conjunto de artistas y obras que, tiempo atrás, fueron artificialmente separadas por el año 1881 (fecha de nacimiento de Picasso empleada para amputar las colecciones del Prado y del Reina Sofía). Una exposición que ha abierto las puertas del Prado al cine y la fotografía, y que, junto al exquisito catálogo con textos de Javier Barón, Leticia Azcue Brea, Beatriz Sánchez Torija y Francesc Fontbona, se ha constituido como un punto y aparte a la hora de aproximarse al fenómeno del arte social en España. Una exposición que, por su magnitud, conviene visitar por partes y en varias ocasiones, a fin de aprehender sus múltiples detalles y apreciar el conjunto de artistas cuyo nombre y obra han salido, al fin, del olvido.